lunes, 20 de marzo de 2017

THE HORROR IS COMING (3/17)


Este mes se ha retrasado un poco esta sección por la crónica de la Muestra Syfy, pero no os iba a dejar sin propuestas jugosas. Puede que a más de uno le suene alguna de las películas porque ya se les está dando bastante bombo, pero seguro que también os descubro alguna cosilla no tan conocida. No sé vosotros, pero yo este año tengo ansia viva porque las películas de Horror is coming empiecen a caer en mis manos así que, ¿qué mejor que compartir y difundir este sentimiento? Jejejeje.


IT COMES AT NIGHT


Hace unas semanas las redes sociales se incendiaron con la salida a la luz de este tráiler que anunciaba uno de los grandes estrenos del cine de terror del año, con el permiso, claro, de la aclamada Get Out (2017). No había oído hablar de It comes at night hasta ese momento y, al igual que todo el mundo, quede impactada por este pequeño avance tan inquietante.

Para proteger a su mujer y a su hijo de la presencia maligna que les acecha desde el exterior, un padre ha establecido una serie de normas en su casa. Éstas se verán alteradas cuando una familia desesperada llegue al lugar en busca de refugio. 

Como veis, la premisa de la película es bastante simple y no dice mucho, pero en el trailer ya se atisba una atmósfera claustrofóbica, una casa en penumbra, unos personajes muertos de miedo y una frase que no para de repetirse, taladrándote el cerebro: It’s OK. ¡Cómo va a estar todo OK con gente encapuchada y maniatada y personas armadas que lanzan amenazas! Y, ¿qué me decís de esa puerta roja que tampoco deja de aparecer en pantalla? De OK nada, esto es tensión en estado puro.

It comes at night ha sido escrita y dirigida por Trey Edward Shults que, con su anterior trabajo y ópera prima, Krisha (2015), consiguió el premio del jurado y del público en el festival SXSW de Austin. La película, protagonizada por Joel Edgerton y Riley Keough, supone el salto de Shults al cine de terror y parece que lo hará a lo grande.

En cierta manera, la estética y ambientación opresiva de esta película recuerda a las de las recientes The Invitation (2015) o La bruja (2015). Ya averiguaremos más cuando podamos verla porque por ahora lo único que tenemos es una sinopsis bastante vaga y un tráiler que más que contar, nos sugiere que algo malo está a punto de pasar, a través de diálogos inquietantes y la reiteración de imágenes de objetos. El mal rollo ya lo tenemos en el cuerpo, ¿serán capaces de no defraudarnos?



Estreno 9 de Junio cines USA



COLOSSAL



La primera vez que oí hablar de la existencia de esta película creo que fue tras su paso por el Festival de Sitges del año pasado, donde todo el mundo salido encantado con la nueva propuesta de Nacho Vigilando. Sin embargo, en aquel momento, la información que teníamos de Colossal era mínima porque no había ni posters, ni tráiler de ella. No fue hasta principios de este año, cuando pudimos tener acceso al pequeño avance que os incluyo al final de esta entrada y que no hace más que elevar nuestro hype hasta niveles estratosféricos. 

Gloria es una joven norteamericana que no se encuentra en su mejor momento y, tras una noche de borrachera, descubre que está conectada a un monstruo que está asolando la ciudad de Seúl.

Sin duda, la premisa es de lo más original que hemos oído en mucho tiempo y no hay duda de que Nacho Vigalondo pretende sorprender al público con esta arriesgada propuesta. Si sois seguidores como yo del podcast de terror Aguas Turbias, conoceréis de sobra al director cantábro, jejeje. Ya hablando en serio, Vigalondo es un conocido guionista, director y actor responsable de películas como: Los Cronocrímenes (2007), Extraterrestre (2011) y Open Windows (2014). No he visto ninguna de ellas y la única relación que he tenido con su cine fue por su participación, esta vez en su faceta de actor, en la infame Camino (2015) que pude sufrir en el pasado Festival Nocturna de Madrid. La película me pareció horrible y la actuación de Vigalondo demasiado forzada e histriónica, así que espero que en su papel de guionista y director la cosa mejore, jejeje.

En esta ocasión, vuelve a contar con un reparto de lujo, encabezado por Anne Hathaway, protagonista absoluta de esta loca historia de ciencia ficción, en la que da vida a una treintañera que ha tocado fondo y se ve envuelta en una situación que escapa a toda lógica. Acompañándola tenemos a Dan Stevens, últimamente asiduo a nuestras pantallas y a Jason Sudeikis.

Tras el reciente estreno de Shin Gozilla (2016) y la revalorización de los kaijus entre el público, ésta coproducción entre Canadá, EEUU y España no podía estrenarse en mejor momento. La distribución de las películas de Vigalondo ha sido siempre muy complicada, así que espero que esta vez, al tratarse de una película dirigida al gran público y con un reparto de caras conocidas, pueda verse en más salas de cine que las 4 0 5 habituales.

Sinceramente, espero que esta película sea tan buena como parece porque pocas veces estamos frente a una idea tan original. Sin embargo, no todo depende de la premisa, necesita tener un guión coherente, un ritmo ágil que nunca decaiga y unos diálogos inteligentes para convertirse en el bombazo que aspira a ser.


 Estreno 7 de Abril Cines USA


MADRE



Las películas con niños mortíferos o chungos es ya todo un subgénero en el cine de terror, con clásicos tan conocidos como La mala semilla (1956), El pueblo de los Malditos (1960), El exorcista (1973) o La profecía (1976). La imagen de bondad e inocencia que normalmente atribuimos a los niños desaparece, al mostrarnos a los pequeños como auténticas máquinas de matar. Otro aspecto que se repite con cierta frecuencia en este subgénero es la dificultad que tienen los adultos para enfrentarse y defenderse de los niños ya que el instinto de protección hacia los más pequeños es algo innato al ser humano.  

Éste es el caso de esta película chilena que descubrí por casualidad buscando joyas para esta sección. Madre nos presenta a Diana, una joven embarazada de 4 meses y desbordada por los cuidados que requiere Martín, su hijo autista. Por pura casualidad, se topa con Luz, una cuidadora filipina con la que el niño parece sentirse muy cómodo. El pequeño comienza a mejorar gracias al cuidado de esta misteriosa mujer con la que sólo se comunica en filipino. Diana empieza a sospechar que Luz está utilizando la barrera del idioma para poner a Martín en su contra y convertirlo en algo mucho más siniestro.

Madre está escrita y dirigida por Aaron Burns, que ha trabajado principalmente como técnico de efectos visuales y como actor en varias películas de Eli Roth.

¿Os acordáis del círculo de amigos que hizo el bueno de Eli en Chile? Pues bien, esta película pertenece a Purgatorio, una ramificación de la productora Sobras, propiedad de Miguel Asensio y Nicolás López, director de Aftershock (2013). Gracias al éxito obtenido con la comedia Sin Filtro (2016), la segunda película chilena más taquillera de la historia, la productora decidió dejar de hacer películas de terror de bajo presupuesto rodadas en inglés (Green Inferno (2013) y Knock, Knock (2015)) y crear esta filial dedicada al cine de género de calidad, orientado al público nacional.

El trailer nos muestra a una madre agobiada por los cuidados que requiere su hijo y que, tras un periodo de relativa tranquilidad, empieza a sospechar que la nueva cuidadora está manipulando a su hijo en su contra. El marido que pasa mucho tiempo fuera de casa por trabajo, creerá que todas estas sospechas son fruto de su imaginación y los espectadores no sabremos de quién podemos fiarnos. ¿Diana siente amenazado su papel de madre por una mujer a la que su hijo sí hace caso? o ¿verdaderamente Luz está manipulando al niño con brujería en contra de ella?

Madre es un thriller psicológico que explota un miedo muy humano, el de los padres que tienen una cuidadora en casa que pasa más tiempo con sus hijos. Esta situación puede provocar en una madre psicológicamente inestable, como la de la película, graves situaciones de celos.


A ver si tenemos suerte y disponemos de esta película también en el catálogo de Netflix España porque me ha parecido una propuesta muy interesante y su tráiler destila tensión, paranoia y miedo.


Estreno el 27 de Abril en cine chilenos y para finales de 2017 se las espera en el catálogo de Netflix USA



martes, 14 de marzo de 2017

MUESTRA SYFY 2017 (PARTE 2)



PET


Pet es otra de esas películas que ya había visto y que también apareció en mi TOP 10 del 2016 pero, con este segundo visionado, se produjo justo el efecto contrario al de I am not a serial killer (2016) y no acabé tan satisfecha.

Este oscuro thriller nos pone en la piel de Seth, una persona solitaria y perturbada, con una concepción del amor un tanto enfermiza y capaz de hacer todo lo posible por conseguir que la persona amada le corresponda.

La trama de la película es bastante sencilla, quizás demasiado para una película de 90 minutos y termina haciéndose un tanto repetitiva. Entre mi grupo de mandanguers con los que siempre disfruto de los festivales de la capital, la idea generalizada era que la premisa hubiese funcionado mejor como capítulo de una película antológica, que en un largometraje. A pesar de que yo no sé si diría tanto, sí que considero que a la película le sobraban algunos minutos de metraje, con tanto que voy que vengo para ver como estaba la chica.

Independientemente de todo esto, Pet es una película muy interesante en la que podemos ver a otro pequeño hobbit, esta vez Dominic Monaghan, interpretando a un personaje repugnante y perturbado. Parece que los hobbits están muy interesados en alejarse de su imagen dulce y amigable y todos quieren convertirse en asesinos o tarados, jajaja.

Para lo que sí me ha servido este segundo visionado, ha sido para afianzar la idea de que Carles Torrens es un director a tener en cuenta y tengo ganas de ver su primer largometraje Emergo (2011), porque dudo mucho que sea capaz de encontrar sus cortos, esas pequeñas joyas que suelen caer en el olvido.

Os dejo aquí el enlace a la opinión que os di de ella en el TOP 10 del 2016.


31


No sabía que esperar de esta película porque la verdad es que no soy muy amante del cine de Rob Zombie. Puede que esta opinión no sea del todo justa porque sólo he visto las dos películas que hizo sobre Halloween pero, teniendo en cuanta que la segunda me pareció una paranoia extraña e infumable de su director, no me sentía con ganas para seguir indagando en su filmografía.

Nos situamos en los 70, en los momentos previos a la noche de Halloween, cuando un grupo de artistas de carnaval que viajaban en su destartalada furgoneta son secuestrados. Serán conducidos hasta un lugar desconocido, dónde les obligarán a participar en un juego macabro llamado 31: deben sobrevivir 12 horas mientras son perseguidos por unos payasos sanguinarios.

Zombie nos vuelve a zambullir en esa estética sórdida, oscura y mugrienta tan característica de su cine y vuelve a poner a su mujer, Sheri Moon Zombie, como protagonista de un reparto coral entre los que destaca una desmejorada, Meg Foster, la actriz de la mirada de hielo.

31 es esencialmente un parque temático del horror, en el que una serie de payasos armados con todos tipo de cuchillos, sierras y hachas se encargarán de aniquilar a este grupo de feriantes con los que en ningún momento hemos sido capaces de empatizar.

El visionado de 31 iba a marcar un momento decisivo en mi trayectoria como Horror lover, o crucificaba definitivamente a Rob Zombie o me reconciliaba con él.  No os hagáis ningún tipo de harakiri, ni os fustiguéis en mi nombre porque no haya visto todavía La casa de los 1000 cadaveres (2003) o Los Renegados del Diablo (2005) porque 31 me gustó y me devolvió las ganas de seguir conociendo al bueno de Rob. Después de este subidón, es hasta probable que me haga con la única biografía que existe del director en español, escrita por mi amigo El Reverendo Wilson: Rob Zombie: Las siniestras armonías de la sordidez .

LAKE BODOM


Estamos frente a la que para mí fue la peor película del Festival, teniendo en cuenta que no sufrí la española, Stop Over the hell, a la que todo el mundo señaló como el gran truño de la Muestra. Para que os hagáis una idea de la magnitud del aburrimiento, ni la sala Mandanga, especialista como os dije la semana pasada en levantar películas horribles, pudo hacer apenas chascarrillos sobre Lake Bodom. La sala fue invadida por el tedio y por el sueño, porque al ser la cinta del domingo a las 16.00, podéis imaginaros a que nos dedicamos muchos, jejeje.

Inspirada en una historia real, Lake Bodom nos presenta a un grupo de adolescentes que se van de acampada a un lago, en el que años atrás unos chicos fueron asesinados. Es posible que el asesino nunca haya abandonado el paraje y sólo estuviese esperando nuevas víctimas…

La intención de esta película finlandesa era crear el típico slasher de campamentos, pero con un giro argumental que le diese la vuelta a todo y dejase a la audiencia con la cabeza loca. Algo parecido al efecto conseguido en All the Boys love Mandy Lane (2006), pero aquí todo resulta demasiado forzado y poco creíble. En definitiva, un autentico tostón.

Resumiendo, no os acerquéis a ella, aunque os gusten los slashers de campamentos, jóvenes muriendo y persecuciones por el bosque porque os decepcionará igualmente. Así que sed inteligentes y no perdáis el tiempo como hicimos nosotros.  


YOUR NAME



Tercera y última película de animación que pude disfrutar en la muestra y, ¿sabéis que os digo? que nunca me había interesado por este tipo de cine y ahora estoy deseando terminar con los compromisos cinéfilos y ponerme a devorar cine de animación. Ésta es una de las ventajas de los Festivales de cine sea cual sea el género, que te descubren géneros o tipos de cine, a los que es posible que no te hubiese acercado de otra manera.

La película nos pone en la piel de dos extraños, a los que el destino une de una forma misteriosa.

Como veis, mi sinopsis en muy breve porque me gustaría que os acercarais a esta película con la menor información posible. Es una de esas cintas con magia propia, que no sólo te embelesa con la originalidad de una historia en la que se mezclan perfectamente realidad y fantasía, sino con la belleza que destila la animación, los escenarios, la música...

Your Name fue dirigida por el conocido Makoto Shinkai e inspirada en su propia novela. Shinkai es un reconocido guionista, director y animador que tiene a la espalda un gran número de películas, entre las que destacan: 5 centímetros por segundo (2007) o El jardín de las palabras (2013). Como ya os habréis imaginado, estos títulos ya encabezan la lista de mi reciente adición al anime, jejeje.

Por ponerle alguna pega a esta producción, podría decir que su tercer acto está demasiado extendido y da la sensación que tiene unos cuantos finales y que el verdadero nunca termina de llegar.

Your name fue la producción más taquillera en Japón en el 2016, algo no muy habitual para una película de animación y, que sólo había conseguido hasta la fecha, el estudio Ghibli con dos de sus producciones. Así que yo que vosotros, no perdería la oportunidad de ver esta joya que seguramente llegará a España el mes que viene.


RAW


La película que más polémica arrastraba tras las ambulancias a la puerta de los cines que proyectaron Martyrs, allá por el 2008. Si en aquella ocasión dudamos de la veracidad de esas informaciones, ahora no puede estar más claro que en Raw han sido utilizadas con fines publicitarios.

Si recordáis, la noticia que nos llegó desde el Festival de cine de Toronto, es que varias personas se habían desmallado por la crudeza y realismo de sus imágenes y, ¿sabéis qué fue lo que nos preguntamos todos cuando acabó la película? Que en qué parte se habían desmayado exactamente porque considerábamos que no había nada tan fuerte como para producir este efecto en una persona. No voy a negar que hay escenas impactantes y sangrientas, pero tampoco nada para volverse locos.

Raw nos presenta a Justine, una joven criada en una familia de veterinarios y vegetarianos. En su primer día en la facultad de veterinaria, la obligan a comer carne cruda como parte del ritual de los novatos y, a pesar de que su hermana mayor estudia allí también, no cuenta con todo su apoyo. A raíz de esta primera ingesta de carne, la verdadera naturaleza de Justine saldrá a la luz.

La directora francesa, Julia Ducournau, que está detrás del guion y la dirección de Raw, debuta en el mundo del largometraje por la puerta grande, con una propuesta atrevida, diferente e impactante que no deja a nadie indiferente.

Una de las principales bazas con las que cuenta esta película es que, a pesar de que estamos ante una historia propia del cine de terror, todo parece muy realista: las críticas de los profesores, la relación de amor/odio entre hermanas, los compañeros que te ayudan y te enredan para cometer locuras...

Raw nos habla de la dura adaptación de una adolescente a un lugar con unas normas diferentes a la de su casa, donde se revelará contra lo que siempre ha conocido y, por primera vez, será ella misma.

Las actrices protagonistas, Garance Marillier, como Justine y Ella Rumpf en el papel de su hermana mayor, se comen literalmente la pantalla mostrando, de una manera muy natural, la transformación de sus personajes y la realista relación entre hermanas. Me encantó volver a ver a Laurent Lucas, al que no veía desde la gran Calvarie (2004).

Sin duda, Raw cumplió con creces las expectativas generadas a su alrededor y no le hace falta ningún tipo de publicidad engañosa, porque es estupenda. Una de esas películas que dejan poso y que sigues pensando en ella, pasados los días. No es un producto para todo el mundo, así que los extremadamente sensibles absteneros de verla pero, todos los demás, no os la perdáis porque, sin duda, estáis frente a una de las películas de terror del año.


Y, hasta aquí llegó mi paso por la Muestra Syfy 2017, una de las mejores que recuerdo y que más he disfrutado al lado de mi grupo de inseparable mandaguers. ¿Lo malo? Que se hace muy largo esperar todo un año hasta la próxima edición :(



jueves, 9 de marzo de 2017

MUESTRA SYFY 2017 (PARTE 1)


La Muestra Syfy es una de los festivales mas irreverentes, divertidos y canallas a los que he tenido el placer de asistir. Cada mes de Marzo, el canal SyFy ocupa, durante un fin de semana, el cine de la Prensa de Madrid para deleitarnos con un amplio abanico de películas de ciencias ficción y terror que haran las delicias de un público totalmente entregado. La Muestra ha contado otro año más con su flamante maestra de ceremonias, Leticia Dolera, que como siempre se ha metido al público en el bolsillo con su simpatía y espontaneidad. Este año el festival ha celebrado su edición número 14 y, sin duda, ha sido la más redondas que conozco porque, aunque no han faltado las películas infumables, la calidad media de las cintas ha sido notable.

A continuación, todas las películas que puede disfrutar o sufrir en esta ediccion, nada menos que 10 títulos. Así que he decidido dividirlo en dos parte para que no se os haga demasiado pensado.

WORRY DOLLS 


La sala Mandanga de la Muestra Syfy es el lugar ideal para conseguir que una película mala, se acabe convirtiendo en una experiencia disfrutable, gracias a la entrega de un público que año tras año se va superando. En la pasada edición, este efecto casi mágico, consiguió alzar a la infame Green Inferno (2013)como una de las películas más divertidas de todo el festival. Pues bien, Worry Dolls, más conocida como The Devil’s Dolls, puede sentirse orgullosa de haber sido mejorada por los comentarios incisivos, jocosos y divertidos del publico mandanguer.

Un policía ha conseguido abatir al asesino en serie que llevaba persiguiendo durante años. Sin embargo, su legado se ha transferido a unas muñecas y ahora, esas figuritas están en manos de personas inocentes que serán poseídas por el espíritu homicida del asesino.
A grandes rasgos, Worry Dolls es la típica película de posesiones, con personajes insulsos y unas actuaciones penosas. Lo único medianamente destacable de toda la cinta fue el primer asesinato por sus altas dosis de gore. A partir de aquí, las posesiones y los crímenes se sucederán, pero perderán en espectacularidad e interés.

Resumiendo, si no vais a ver esta película en un festival igual de irreverente que éste, no os molestéis en acercaros, es más, huir de ella como de la pólvora si no quereis perder hora y media de vuestras vidas. 



SEOUL STATION


Si recordáis, Train to Busan (2016) fue mi película favorita en el TOP 10 del año pasado y mis expectativas hacia su precuela de animación eran muy altas. Pues bien, Seoul Station no tiene ni la adrenalina, ni la acción que destilaba su compañera y nos presenta una historia más pausada, centrada en el drama de los más desfavorecidos para sobrevivir a una epidemia zombi. 

La estación de Seúl es el refugio para los vagabundos y, una noche, uno de ellos empieza a mostrar extraños síntomas de enfermedad. Una chica que acaba de romper con su novio, decide refugiarse en la estación, pero allí se encontrará con una horda de zombis hambrientos de carne humana. Su padre y su novio recorrerán una ciudad en estado de sitio para salvarla de esta pesadilla.

Una vez vistas las dos películas que su guionista y director, San-Ho Yeong, ha concebido como un díptico, lo más recomendable sería ver ésta en primer lugar porque, aunque no nos aporta datos acerca de las causas que originan la epidemia, sí que nos muestra al paciente cero que extiende la enfermedad por la estación de Seúl. Independientemente de esto, las historias de ambas películas no comparten personajes, ni tramas, pero se desarrollan de forma paralela.

La historia animada refleja cómo el virus zombi se extiende por la estación y el resto de la ciudad, aunque la pandemia es sólo el telón de fondo para mostramos el drama de los más desfavorecidos. Entre los protagonistas destaca la chica que ha roto con su novio y tiene que valerse por sí misma para escapar de las hordas de zombis, un vagabundo que huye con ella y el padre y el novio de la muchacha que juntos intentarán encontrarla. Como es habitual en las películas de zombis, el miedo saca lo peor del ser humano y éste acaba convirtiéndose en una amenaza mucho mayor que los propios no muertos. Aquí radica el foco de interés de esta película, en la pesadilla que supone para los más humildes la epidemia zombi, no porque éstos vayan a devórarlos, sino porque para las autoridades no son más que un estorbo y no tienen intención de ayudarlos.

En esta ocasión, mis expectativas no se vieron satisfechas y Seoul Station me pareció lenta, con poca acción para tratarse de una película de zombis y con unos personajes, a excepción de la chica y el vagabundo, un tanto despreciables. Aunque no fue una película que me entusiasmara, sí que es cierto que, en el tercer acto, la tensión va a en aumento y los giros de guion se suceden, convirtiendo la recta final en la parte más interesante de toda la película. Además, Seoul Station puedes sentirse orgullosa de haber generado un nuevo mantra para los aficionados de la sala Mandanga, relacionado con las puertas abiertas, jejeje.


LA VIDA DE CALABACIN


La verdad es que esta película no encaja mucho con la temática del blog, pero como me resultó una auténtica delicia y formó parte de las sesiones matutinas dedicadas al público infantil, he querido incluirla en este resumen. Además, estas sesiones se están convirtiendo en la apuesta segura del festival tras proyecciones tan exitosas como Mi Vecino Totoro (1988), Song of the sea (2014) o El niño y el mundo (2013).

Calabacin es un niño que, tras perder a su madre, ingresa en un centro de acogida. Allí conocerá a otros niños en una situación similar a la suya e intentará encajar en este nuevo entorno. Gracias a todos ellos descubrirá la amistad, el amor y una nueva familia.

Esta producción suiza, nominada a la mejor película de animación tantos en los Globos de Oro, como en los Oscar de este año, ha conseguido robarme el corazón gracias a la ternura y delicadeza con la que trata un tema tan duro como la orfandad de unos niños pequeños.
Mi vida de Calabacin nos introduce en varios temas adultos como son las drogas, el maltrato o la delincuencia vistos a través de la inocencia de un grupo de niños que perciben las cosas de una manera totalmente diferente.

La historia tiene varias capas y, mientras los niños se entretendrán con los personajes, todo ellos muy bien definidos y caracterizados, los adultos serán capaces de percibir esos pequeños detalles que ponen de manifiesto las vidas tan duras que han vivido estos niños tan pequeños.

Una película preciosa, tierna y divertida que nunca cae en la ñoñeria y que pone de manifiesto la existencia de películas inteligentes y estupendas alejadas del universo encorsetado y edulcorado de la factoria Disney.


THE GOOD NEIGHBOR


Estamos frente a una película que no encaja mucho en un festival dedicado al terror y la ciencia ficción porque no tiene nada que ver con eso, pero teniendo en cuenta que lo que más abunda en el Festival de Sitges son los thrillers, pues ya lo voy entendiendo mejor, jejeje.

Un par de adolescentes montan un sistema de vigilancia en casa de su vecino para después hacerle creer que su hogar está embrujado y registrar sus reacciones para hacer un documental.

Como podemos deducir de la sinopsis, la mayor parte de la película está grabada en formato Mockumentary, aunque estas secuencias se intercalan con otras en formato tradicional, relatadas en diferentes líneas temporales. Esto nos permite tener una visión más amplia de las motivaciones de todos los personajes y saber, con antelación, cuáles serán las consecuencias de este experimento que, cómo es de suponer, no saldrá como los protagonistas esperaban.

La película juega con el espectador, conduciéndole por caminos que no se corresponden para nada con la verdadera naturaleza de la película y, cuando por fin llegamos al desenlace, éste no puede ser más sorprendente y desgarrador. Puede que, en un primer momento pensase que esta película no tenía el empuje o la garra de otros títulos recientes con vecinos terroríficos de por medio como No Respires (2016) o The neighbor (2016) pero, en ningun momento, ésta cinta intenta jugar en esa liga.

The good neighbor es una película de suspense que pone de manifiesto la tranquilidad con la que las generaciones que han crecido delante de un ordenador, se saltan la ley y atentan contra la intimidad de las personas. Una de esas cintas que te afectan mucho más de lo que parece inicialmente. 


I AM NOT A SERIAL KILLER


Todos aquellos que leísteis mi crónica del pasado Festival de Molins de Rei, sabréis que yo ya había visto esta película en su maratón de las 12 horas. Sin embargo, como fue una película que disfruté bastante y que incluso apareció en mi TOP 10 de año, no me importó volver a verla.

La historia se centra en un pequeño pueblo en que se están sucediendo una serie de asesinatos y un adolescente, Dan Wells, que sigue una unas estrictas normas para no desatar sus instintos psicópatas, será el encargo de descubrir al culpable.

I am not a serial killer fue una de las películas más aplaudidas por el público mandanguer y, en mi caso, este segundo visionado consiguió mejorar la opinión que tenía sobre ella. Como no os quiero aburrir con un nuevo análisis o dejo aquí la valoración que hice en el Festival de Molins y aquí la del TOP 10 de año. 

martes, 28 de febrero de 2017

CHICAS MALAS: GINGER SNAPS (2000)


Creo que ya os había confesado mi pasión por las películas de hombres lobo y sus metamorfosis en pantalla. Pues bien, Ginger Snaps siempre será una de mis favoritas, a pesar de que no se centra en la transformación física de su protagonista, ni cuenta con unos efectos de maquillaje espectaculares. Aquí la importancia radica en el carácter psicológico de la historia y en la analogía que existe entre la licantropía y la entrada en la adolescencia. Nuestra asesina de hoy es Ginger Fitzgerald, una joven de 16 años que, tras ser atacada por un hombre lobo, se convertirá en una bestia incontrolable con un ansia desmedida por aniquilar y despedazar seres vivos.

Esta película canadiense, encumbrada hoy hasta el estatus de culto, cuenta la historia de las hermanas Fitzgerald, Ginger y Brigitte, unas adolescentes marginadas y algo obsesionadas con la muerte. Durante una escapada nocturna para gastarle una broma a una chica, Ginger es atacada por un hombre lobo. Al mismo tiempo que su transformación física y psicológica empieza a producirse y sus ansias por carne humana son incontrolables, su hermana, Brigitte, intentará encontrar una cura para salvarla, mientras intenta ocultar todas sus fechorías.

La película está escrita y dirigida por el canadiense John Fawcett que tras este trabajo se ha dedicado casi exclusivamente al mundo de la televisión. Aquí nos muestra, de una manera muy inteligente, el cambio tanto psicólogo como corporal que se produce en una mujer al iniciar su adolescencia, comporándolo con su transformación en licántropo. Sin embargo, la trama de los hombres/mujeres lobo es simplemente el telón de fondo de lo verdaderamente importante para esta película: la relación entre las hermanas. Al principio, podemos ver lo unidas que están, no les importa ser las raritas del instituto porque se tienen la una a la otra. Sin embargo, después de que Ginger sea mordida se empieza a producir un distanciamiento entre ellas, sus intereses son diferentes y las discusiones son constantes. Este alejamiento podría deberse a que Brigitte sigue siendo todavía una niña y no puede compartir las nuevas inquietudes que se están despertando en el cuerpo de su hermana, representadas de una manera algo salvaje, claro, jejeje.

Las mujeres son las absolutas protagonistas de esta pequeña producción canadiense. El único personaje masculino con algo de relevancia es el camello del instituto que las ayuda a buscar una cura, mientras que el resto no son más que meros instrumentos sexuales o como el padre, que es lo más parecido a una maceta. De hecho, cuando la madre, interpretada por una pedante y divertida Mimi Rogers, descubre los asesinatos de su hija, decide abandonar a su marido y huir con sus hijas para permanecer siempre unidas.



Aparte de tener un guion bastante sólido, Ginger Snaps puede presumir de contar con la gran actuación de sus dos actrices protagonistas. Katharine Isabelle, de nuevo por el blog, interpreta a la perfección el cambio psicológico que experimenta su personaje y como, tras su primera menstruación/ mordisco del licántropo, la chica retraída se convierte en todo un objeto sexual para sus compañeros de instituto, gracias a su cambio de actitud. Su hermana, a la que da vida una inquietante Emely Perkins, hace todo lo posible por encontrar una cura que salve a Ginger, ocultar sus asesinatos y lidiar con un mundo adolescente, que siendo todavía una niña, no termina de comprender.

A pesar de ser una película de terror adolescente, Ginger Snaps no cae en los cliches habituales de este subgénero. Las protagonistas huyen de la popularidad y hacen todo lo posible por no integrarse. Al inicio de la película, tenemos una escena memorable en la que las hermanas están en plena sesión de fotos, representando diferentes formas de suicidio para un trabajo del instituto. Con esto, las jóvenes no sólo intentan incomodar a su profesor y a sus compañeros, si no que ponen de manifiesto su deseo de diferenciarse de la manada. La adolescencia aquí aparece reprentada como un tormento, como una especie de enfermedad que cambia a las personas y que no es nada dulce ni para el propio individuo, ni para las personas que están a su alrededor.

En definitiva, Ginger Snaps es una de las películas de hombres lobos más originales que he visto. Una auntentica delicia para todos aquellos que quieran disfrutar del drama que conlleva abandonar la niñez o convertirse en mujer lobo, pero sin escatimar en sordidez, sangre y gore en ningún momento. Y, como últimamente estoy finiquitando las sagas que tenía pendientes, tengo ganas de averiguar como continua la historia de Ginger en Brigitte en las dos secuelas que surgieron tras esta cinta: Ginger Snaps II: Los malditos (2004) y Ginger Snaps III: El origen (2004).

Creo que esta película supone un gran broche final para cerrar este especial del WiHM. Elegí algunos de los títulos que consideré más representativos y que todavía no habían aparecido en el blog, para mostraros a personajes femeninos fuertes y diabólicos pero que, de alguna manera, consiguen empatizar con el espectador. Me ha sorprendido bastante descubrir que, a pesar de que la mayoría de la gente conoce estas películas, muchos no las habían visto todavía. Todas son auténticas joyas del cine de terror, muy disfrutables y con unos personajes femeninos inolvidables. Y no os preocupéis porque el mes de Febrero esté llegando a su fin, porque seguiré reseñando más películas para la sección de Chicas Malas. Me gusta descubrir nuevos personajes femeninos fuertes en el cine de terror que no sean siempre Final Girls o Screams Queens, porque nosotras también podemos ser las asesinas que atemoricen al personal y digo yo, ¿para cuándo un slasher con una psicokiller enmascarada? 



Más chicas malas:

miércoles, 22 de febrero de 2017

CHICAS MALAS: DREAM HOME (2010)


Cuando uno lucha y hace todo lo posible por alcanzar sus sueños, no siempre los consigue y la frustración de comprobar que todo ese esfuerzo no ha servido para nada, puede llevar a la locura a más de uno. Ese es el caso de nuestra asesina de hoy, la encantadora y letal Cheng Lai Sheung que lejos de caer en una depresión por no haber conseguido la casa de sus sueños, hará todo lo humanamente posible por conseguirla, aunque ello implique matar...

Dream Home fue considerado como el primer slasher de origen Hongkonés pero, lejos de limitarse a presentar una asesina que mata compulsivamente, el festival gore está enmarcado dentro de una fuerte crítica sociopolítica contra la crisis inmobiliaria en Hong Kong. Esta ciudad asiática está superpoblada y las viviendas disponibles escasean, así que teniendo en cuenta que la demanda es mucho más elevada que la oferta, el mercado inmobiliario en Hong Kong es el más caro del mundo y conseguir un piso es una odisea para la población.

La película, escrita y dirigida por Ho-Cheung Pan, nos pone en la piel de Chen Lai, una joven que tiene dos trabajos y lleva ahorrando durante años para conseguir comprarse un apartamento en un lujoso edificio. Una vez que la joven ha ahorrado lo suficiente para dar la entrada de la casa de sus sueños, los propietarios deciden incrementar el precio y dejarla en la estacada. Sin embargo, Chen Lai, lejos de deprimirse ante semejante injusticia, empezará a eliminar a los inquilinos uno a uno.  

Aunque la historia comienza con nuestra protagonista aniquilando a los residentes del edificio al más puro estilo de un Home Invasion salvaje, la historia está salpicada de flasbacks que nos muestran la verdadera razón de esta reacción tan desproporcionada. En estos episodios vemos cómo la niñez de Chen Lai estuvo marcada por las continuas presiones que recibían su familia y sus vecinos para abandonar sus hogares. Será en ese momento, cuando empiece a idealizar una casa con vistas al mar, como las que se divisan desde el banco al que va a buscar a su abuelo todos los días. Más adelante, veremos a Chen Lai como una mujer adulta y pluriempleada que sacrificará todo y a todos para alcanzar su meta. 

Hasta aquí el drama de la protagonista que refleja una realidad vigente en la población hongkonesa, pero si por algo esta película merece estar presente en este blog es por su vertiente slasher. Los asesinatos son brutales, la sangre corre a raudales y es que hay que tener en cuenta que los asiáticos, cuando quieren, no escatiman en violencia, gore y sadismo. Nuestra querida protagonista no hará distinciones a la hora de eliminar inquilinos y le dará igual, ancianas que embarazas y usará para ello todos los elementos que tiene a su alcance. La escena de la embarazada con la aspiradora es muy dura y descorazonadora, pero también tendremos empalamientos, apuntaciones, degollamientos y toda una serie de macabras prácticas que sí que harán disfrutar a los amantes del gore.


A pesar de ser una película tan sangrienta, conseguimos empatizar con el personaje de Chen Lai, interpretado magistralmente por la actriz y cantante Josie Ho y entender su trasformación en una asesina sin escrúpulos. En cierta manera, sentimos que su venganza está justificada por la presión a la que se ha visto sometida desde niña a tener un apartamento en propiedad que nadie pueda quitarle. La verdad es que su víctimas no tienen nada que ver con esta injusticia pero, como la mayoria, a excepción de la embarazada, son hombres despreciables que o bien engañan sus esposas o se drogan y se mofan de unas prostitutas, tampoco sentiremos demasiado su perdida.

Toda la tensión acumulada en las escenas más gore de la película se ve aligerada por el humor bastante negro que destilan varios de los personajes, aunque éstos tengan sus tripas esparcidas por el suelo. Esta combinación de drama, slasher y humor está muy bien equilibrada y encaja a la perfección.

En definitiva, Dream Home es un slasher refrescante con un trasfondo sociopolítico que nos muestra la cruda realidad de muchas ciudades asiáticas, pero no por ello escatima en asesinatos imaginativos, sangrientos y disfrutables. La atmósfera que se respira en ese bloque de apartamentos es opresiva y ninguno de los personajes tendrá escapatoria. Sin duda, una propuesta muy interesante que no deberíais dejar escapar. 

lunes, 20 de febrero de 2017

CHICAS MALAS: AMERICAN MARY (2012)


La protagonista de hoy es una de esas personas que se ha visto obligada a convertirse en asesina por la vejaciones y humillaciones a las que se ve sometida. A grandes rasgos estaríamos hablando de un rape & vengeance, pero American Mary es mucho más eso y Mary Mason no es una víctima cualquiera.

Puede ser contradictorio que, a mí como mujer, me gusten las películas con esta temática y más cuando en la reseña de The Loved Ones (2009), os comentaba que el subgénero de torturas me resulta bastante desagradable. Pues bien, para mí, los rape & vengeance son algo diferentes porque a pesar de que sufro con la violación o la tortura de la protagonista, ver como después ésta se redime de su calvario con casi más sadismo que al que ella fue sometida, se convierte en una experiencia más o menos satisfactoria. En el cine nos suele gustar que los malos paguen por sus pecados y, teniendo en cuenta que la violación es uno de los crímenes más atroces que puede sufrir un ser humano, (no olvidemos que en Deliverance (1972) la víctima era un hombre) aquí los culpables pagarán de tal manera que, si alguno sobrevive, no volverá a hacer nunca, nada parecido.

Mary Mason es una aventajada estudiante de cirugía con problemas económicos que no dudará en hacer todo lo que haga falta para alcanzar su sueño de ser una brillante cirujana. Cuando acepta ayudar a la víctima de unos matones, se introducirá de lleno en el oscuro mundo de las cirugías ilegales. Sin embargo, sus aspiraciones se derrumban tras ser violada en una fiesta, pero lejos de convertirse en una víctima, se vengará de todos aquellos que han estado involucrados.

American Mary es, por partida doble, una película perfecta para este Woman in Horror Month, ya que además de contar con la imponente Katherine Isabelle como protagonista, las responsables del guión y de la dirección son las hermanas Soska, Jen y Sylvia. Las controvertidas directoras, más conocidas como las twisted twins, además de reservarse un pequeño papel para sí mismas en la película, son unas de las principales impulsoras de WiHM y cada año dirigen un anuncio promocional para la donación de sangre. Os dejo aquí el de este año que no tiene desperdicio y tiene una clara estética videoclipera.

Aunque como os he comentado antes, American Mary es esencialmente un rape and vengeance, las hermanas Soska no se limitan a mostrarnos a Mary como una sádica asesina con todo un arsenal de torturas bajo la manga, cómo en I spit on your Grave (2010). El deterioro que produce en Mary las controvertidas operaciones que realiza a sus clientes y las venganzas que va llevando acabo, convierten su vida en una espiral de locura que acabará explotando salvajemente.

Katherine Isabelle, que ya por aquella época empezaba a consolidarse como una de las reinas del grito del s. XXI, borda el papel de esta estudiante de cirugía, fuerte, independiente y luchadora, que es consciente de su atractivo y sabe como sacarle partido. Pero no os dejéis engañar por esta cara bonita y esos vestidos sexys porque a la hora de torturar a sus agresores, gracias a sus conocimientos médicos, será sádica y retorcida hasta niveles inimaginables.



American Mary nos intruduce en el oscuro mundo de las modificaciones corporales extremas y nos muestra como su protagonista se deja seducir por el dinero fácil sin percatarse de que ella también se está sometiendo a una profunda transformación psicológica. El lema de esta película dice que las apariencias lo son todo y nos muestra a personas para las que la modificación de su cuerpo es una forma de afianzar su individualismo y sentirse especiales.

Uno de los puntos flacos de la cinta es lo poco desarrollados que están los papeles masculinos. Los agresores nos asustan por quienes son, no porque ellos den miedo o nos acojonen con su presencia. Esto provocará que en manos de Mary se conviertan en una especie de animalillos indefensos que no tienen escapatoria. En este aspecto, el enfrentamiento entre la víctima y sus agresores me parece un tanto flojo, pero supongo que las twisted twins quisieron darle un enfoque femenino a toda la historia y que los hombres simplemente fuesen el desencadenante para que Mary se acabase convirtiendo en una asesina despiadada.  

Una de las cosas que no logré entender muy bien es la aparente historia de amor que existe entre Mary y Billy, el matón que la contrata para salvar a sus secuaces de las palizas recibidas. Está claro que Billy siente una especie de fascinación por Mary, aunque al mismo tiempo le tiene miedo. Sin embargo, ella tiene una actitud un tanto esquiva, como si sólo fuese una relación comercial, pero cuando Mary ve a Billy con otra chica, estalla en uno de los episodios más violentos de toda la cinta. La verdad es que no entendí a qué venía todo aquello.

Ha quedado claro que American Mary no es una película perfecta y su anticlimático final contribuye notablemente a ello, pero sin duda, es una cinta muy recomendable que nos consigue incomodar más que por lo que muestra, por lo que nos hace imaginar. Una Katherine Isabelle que borda su papel y que no se limita a ser la víctima vengativa de cualquier rape And vengeance, sino que todos sus actos contribuirán a su deterioro psicológico. Pero lo más interesante es el mundo de las modificaciones corporales extremas que nos muestran las hermanas Soska y que lejos de criticarlo, nos lo presentan como una forma diferente de entender la vida y de expresar exteriormente los deseos más íntimos. En definitiva, una película diferente, perturbadora e inolvidable.